CONFERENCIAS SOBRE ARTE: JAPÓN, MÉXICO Y SEVILLA

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Indianos portadores de tesoros 
made in Japan and Mexico.


Domingo por la mañana, mesa del fondo, tostadas con mantequilla y mermelada de fresa, café solo y cuaderno de notas… Cuando quise darme cuenta ya llegaba tarde a la Conferencia que versaba sobre el análisis de una obra perteneciente al Museo de Bellas Artes de Sevilla; La Guadalupe. Crucé la plaza iluminada por el sol de media mañana, sorteando a la gente que paseaba entre los artistas que exponen allí sus obras. Entré rápidamente tras recoger la entrada y subí las escaleras haciendo caso omiso al cartel “salida” abrí la puerta y pasé. La reunión tenía lugar en la misma sala donde se exponen las obras de Gonzalo Bilbao y Joaquín Sorolla. La gente estaba agolpada en ella, escuchando y a ratos murmurando. Lo que sería un comentario sobre un cuadro religioso acabó siendo un paseo maravilloso por Japón, Manilla y  México hasta llegar a Sevilla. 

Punto de partida

El papel fundamental del puerto sevillano


En Sevilla se conservan retratos de la Virgen de Guadalupe desde 1670, el total asciende a 200 obras similares que han podido ser inventariadas (labor indispensable para ubicar y conservar el patrimonio artístico). Por esas fechas ya se habían difundido los milagros de la Madonna. Como salvar a la población mejicana de morir asolada por una epidemia o proteger a los marineros en sus largas travesías en la mar. Por ello en los barcos y navíos se portaban retratos de la misma para salvaguardar sus vidas del arbitrio y capricho del Océano. ¿Y qué tienen de especial estas obras? Que son pura fusión. Se trata de una mezcla de los patrones europeos con iconografía mariana y los caracteres propios de las deidades en Sudamérica. A esto último habría que sumar  rasgos indígenas como tez morena y cabello negro, así como las ropas. Sin olvidar el paisaje y los motivos florales que contribuyen a que sean obras de una gran belleza exótica. Por todo ello muy pocas casas sevillanas no contaban en su mobiliario con una de ellas. 

Durante la Conferencia del Profesor D. Francisco Montes González, Profesor Ayudante, Doctor e investigador pos-doctoral del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Granada.
Organización; Amigos del Museo de Bellas Artes, Sevilla.
En un primer momento la producción corría a cargo de los maestros sudamericanos (indianos) y más tarde a los grandes de la Escuela Hispánico- mejicana de Pintura, que presentaban a una figura inserta en un ojo apocalíptico. Distinción fundamental con la tan venerada imagen de La Inmaculada. Pensemos en este punto en las ejecutadas por Murillo.

Zarpamos rumbo a Japón



Detalle extraído de la 

exposición del Museo

de Navarra. El Arte japonés

se caracteriza por su sencillez
y naturalidad, así como por
el uso de símbolos.
Enlace arriba en Narbán.
Lo más interesante de toda la presentación es la TÉCNICA, la cual nos llevará en primer lugar a Japón. A finales del siglo XVI y principios del XVII se empiezan a realizar una serie de piezas con la conocida técnica NANBÁN. Os adjuntamos la noticia de una exposición en el Museo de Navarra donde se exhibieron catorce piezas de ese período. La traducción del término es “Bárbaro del Sur” en clara alusión a los portugueses, españoles y holandeses que acudían hasta ese punto del planeta. <<Laca y madera donde se incrustaban trozos de nácar que por lo general se empleaban para ornamentar parte del ajuar doméstico>>. Por la rareza y lo inusual de estas piezas los residentes allí empiezan a realizar encargos. Per esempio  muchos retablos portátiles de pequeñas dimensiones destinados a decorar generalmente templos. Otras tantas serían enviadas a España con idéntico uso. ¿Pero cuáles son los nexos entre Japón y la Península Ibérica? 


Meses de travesía

Desde Japón, Acapulco (México), Manilla, Puerto de la Cruz en el Caribe…


Los maestros mejicanos tomaron contacto con estas obras que tenían por aquel entonces una amplia demanda. Entonces decidieron adoptar esa misma técnica adaptándola a sus formas de producción. A finales de siglo XVII surge un nuevo género artístico mixto en los talleres mejicanos. Hubo un taller que destacó por encima del resto, el de los hermanos Miguel y Juan González. 
El método era complejo, requiere de habilidad y destreza. Consiste en: un soporte de tablas unidas, cubierta por lienzo como base del dibujo. Posteriormente se preparan las zonas donde se embute la concha con resina animal, ya que no todo es concha. Finalmente se aplica policromía añadiendo para su culminación barniz y  polvo de oro.

Arte del Nuevo Mundo


La Virgen de Guadalupe por Miguel González, 1697.
Nácar, tabla y pintura al óleo.
Museo de las Américas, Madrid.
En total en todo el mundo existen 250 piezas de naturaleza enconchada. De las cuales 80 están en el Museo de Las Américas de Madrid. 
Estas obras son de un importantísimo valor artístico, histórico y social. Hablan de la interacción de tres culturas bien distintas entre sí. De la suma emergen composiciones únicas, ricas en matices y llenas de exotismo. Virreyes y monarcas regalaron a sus familiares suntuosas tablas embutidas “madre perla” que es el nombre que recibirían en España. Representaban escenas bíblicas pero también bélicas. Antonio Ponz (1782) en su “Viaje por España” destacaba en el Palacio del Duque del Infantado (Madrid) “un gabinete lleno de cuadros medianos embutidos en madre perla que narran las guerras con Flandes por Alejandro Farnes y las de México por Hernán Cortés.”


Al final de la conferencia visité las restantes salas del Museo. Hasta llegar a la gran capilla ricamente adornada de este antiguo convento. Allí cual fue mi sorpresa ¡unos niños dibujaban en el suelo!
Elevando sus caras observaban las obras en el espacio, con sus ojos curiosos captaban el motivo de su dibujo y se centraban en terminar el trazo. Fue algo maravilloso y una oportunidad perfecta para poner de manifiesto que grandes y pequeños pueden disfrutar de estos espacios llenos de ARTE e HISTORIA.


IL CARMINIO


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RADIO, ENTREVISTA EN "HOY POR HOY", CADENA SER.

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En el programa Hoy por Hoy de Radio Morón (Cadena Ser).

   Cómo un viaje en autobús puede cambiar por completo el panorama de acontecimientos. Así nos encontramos con José Carlos Valverde y hablamos durante todo el trayecto sin parar. Brotaron nombres de libros, proyectos y trabajos. Un día más tarde fijaríamos la fecha para esta nueva aventura; la radio. Y es que desde su descubrimiento y expansión, este medio de comunicación resulta indispensable para la difusión de información y cultura.  Por lo que era una increíble forma de proyectar todo por lo que trabajamos en este espacio. Repasamos la lista de acontecimientos que en tan solo un año han transcurrido. Como por ejemplo nuestro paso por el Hotel Doña María de Sevilla, la inserción en el panorama artístico de Mostrami y nuestra participación en los premios 20 Blogs del Periódico 20 Minutos. Y en esta onda de trabajo surgen nuevos planes y campos de exploración. ¿Por qué no ilustrar un libro poético? ¿y escribir un artículo para el Periódico … ?

Durante la entrevista. A la izquierda
Jorge Cruces y a la izquierda
Jesús Sánchez. 
A cargo de la entrevista Jesús Sánchez  y José Carlos Valverde que hicieron de la misma una experiencia maravillosa. Realmente enriquecedora su conversación así como los temas que hablamos antes, durante y después de la entrevista. Para saber más sobre ellos solo tenéis que hacer un click en sus nombres y directamente podréis leer artículos y publicaciones de ambos. 
Para los que no pudieron escuchar el contenido de la misma os la dejamos aquí. Es un verdadero placer intervenir en un programa donde la cultura se postula como nota máxima. Hay mil y una razones para perderse en un libro, en un museo o una galería. Como en anteriores ocasiones hemos constatado que el ARTE bebe del ARTE y cuando sucede de una forma tan armónica, el resultado es enriquecedor. 
El compromiso es firme, aportar desde Il Carminio nuestro granito de arena a la cultura. El objetivo principal es despertar vuestra curiosidad. Os damos las notas esenciales para que vosotros mismos las conjuguéis. 

G A L E R I A 


Al final de la grabación con Jesús Sánchez a mi derecha y Jose Carlos Valverde a mi izquierda. De nuevo agradecerles a ambos la magnífica entrevista y felicitarles por la enriquecedora labor que llevan a cabo desde los micros.


Y aquí seguiremos paso a paso en nuestro viaje por el arte y las emociones que este produce. En las próximas entradas hablaremos de besos, aprovechando la llegada del mes de febrero. Así como una  especial donde compartiré con todos vosotros el increíble viaje de uno de mis cuadros a Frankfurt.

Un año y pocos meses después de nuestro nacimiento cerramos estadísticas con 4.256 visitas anuales y correos maravillosos de todos vosotros. ¡Gracias!


IL CARMINIO




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CONFERENCIAS SOBRE ARTE

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Sevilla y el Neoclasicismo

¡a su manera!
Vista del Salón Cuadrado por Alexandre Brun, hacía 1880.
Museo del Louvre, París, Francia.
Ejemplo perfecto de la importancia que las Academias concedían a la contemplación del Arte durante el periodo ilustrado. Esta obra seguramente hubiese sido la fotografía perfecta para reflejar el momento. Obras que se amontonan como apuntes antes de ser estudiadas, repasadas y examinadas. Winckelmann introduce el “método histórico” como disciplina científica en el mundo del Arte. Tiempos en los que el hombre descubre yacimientos de vital importancia, como Pompeya.

¿Cuántas veces caminamos por una misma calle? o ¿pasamos por una misma plaza al cabo del día?. Sin dudarlo; muchas. Vías de ida y vuelta que la rutina hace transparentes.
¿Y si pudiésemos recuperar la capacidad de asombro sobre ellas? Porque siempre hay algo sorprendente, divertido e incluso anecdótico en el lugar donde vives, que los hará distintos.  Sólo necesitas curiosidad y ganas de disfrutar. Para ello son idóneas las conferencias y ponencias, para conocer y profundizar en la génesis de la urbe. Disecciona la información y transformarla en algo vivido y curioso.

Ayer mismo en el Real Circulo de Labradores de Sevilla asistimos a un ejemplo. El ponente y orador era Francisco S. Ros González, profesor del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla. Bajo el título “Una aproximación al Arte Neoclásico en Sevilla”, entramos en la sala y tomamos asiento. Abrimos el cuaderno de notas. Obviamente contaros la retahíla de acontecimientos históricos y detalles estilísticos no tiene sentido, basta con abrir un buen tomo relacionado con el tema. ¡Haremos algo mejor!

Los primeros en ocupar los asientos

Detalles de la Sala  (Abajo)


Lo primero que llama la atención es la monumental presencia del edificio, el cual no habíamos visitado nunca. Las Salas realmente recordaban a las diseñadas bajo el prisma del modernismo catalán; ¡invitando a pasar!. 
En seguida subimos las escaleras hasta llegar a la Sala en cuestión. Visualizamos la localización idónea y esperamos al resto de los asistentes. 
La segunda nota de relevancia era la edad avanzada del público. Un mar de cabellos blancos y alhajas. Todos se apresuraban a los primeros asientos, como cabía esperar.

Obra de Anton Raphael Mengs, 1754.
Pastel sobre papel.
The Metropolitan Museum of Art,
New York, Estados Unidos.
Tras la presentación por parte del vocal, la luz se desmayó. 
Para conocer de forma autentica el carácter de una ciudad hay que mezclarse bien con todas sus partes. Y lejos de resultarme monótono su timbre de voz mientras leía sus notas atisbé con mucho agrado cierta ironía. Y lo explicamos a continuación. Quizás un título más exacto para la ponencia hubiese sido el “Genio sevillano vs. Neoclasicismo”. En efecto en esta ciudad no podemos encontrar ni un solo edificio que respetara los cánones del nuevo estilo imperante. Que se encontraba auspiciado por la Real Academia de San Fernando y controlada por la Monarquía. Y sí, aparece la palabra –control– en el Arte, en todas y cada una de sus representaciones. Hasta el punto que se dictaron leyes de obligado cumplimiento para todo proyecto arquitectónico de índole publica e incluso religiosa. ¿Abandonar Sevilla su Barroco? Nunca. Un ejemplo claro es la Parroquia de San Indefonso. Los arquitectos y maestros de obra sevillanos debieron decir; ¡Neoclasicismo e imposiciones sí, pero a mi manera!. De la mezcla surgieron composiciones únicas. Pensemos que en Europa los hijos de las clases más adineradas viajaban en peregrinación hacia el Mediterráneo oriental, absorbiendo todo el conocimiento del arte clásico. Pues a diferencia del Renacimiento, los ojos de la nueva tendencia también estaban puestos en el arte griego. Winckelmann, el padre del método histórico, dijo que “no existía arte más sublime que el griego”. Curiosa exclamación por su parte ya que lo único que pudo conocer directamente de esta época fueron las copias romanas existentes. 

En este tiempo Academias como la de Londres o París empiezan a formar a los artistas mediante la copia y la contemplación de obras directamente traídas desde Italia y Grecia. En efecto, la Ilustración acaba de instaurarse. 


Al sur, en la depresión del Guadalquivir se fundaba la Escuela de Nobles Artes de Sevilla. Dicha institución fijaba su atención en la obra de Murillo, pintor que en aquel entonces gozaba de mayor reconocimiento a nivel europeo. El ferviente coleccionismo de sus obras propició un mercado idóneo para dar salida y al mismo tiempo estimular la pintura inspirada en el artista. Imaginemos lo que suponía para un artista sevillano de la época deslindarse del Barroco, criticado por ostentoso en tiempos de austeridad. Por lo tanto encontraremos construcciones y composiciones de inspiración neoclásica y de ejecución barroca. Empleando maderas y dorados en vez de piedra. Y desde luego conservando los elementos ornamentales más representativos y originales del Barroco. No hablamos de una fase del Arte sino del gusto preponderante en la sociedad sevillana. 

Por todo ello, Sevilla tiene colores y matices especiales.

Real Circulo de Labradores de Sevilla.
Calle Pedro Caravaca, nº 1.
Evento organizado por Amigos del Museo de Bellas Artes.


IL CARMINIO



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PINCELES VIVIENTES, breve encuentro con Klein.

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Si hay algo que debemos tener claro es que el Arte hace mucho quedó liberado de formalidades y clichés. Formas y materiales quedaron únicamente sometidos al arbitrio de la imaginación. Pero existen emociones derivadas de su creación que persisten en el espacio-tiempo. Después de la entrega de mi último encargo del año llegué a casa. Allí me esperaba ese espacio vacío en el caballete. Sentí una emoción fuerte, la esencia se había ido. De uno de mis extenuados pinceles resbalaba lentamente una gota de agua mezclada con pigmento. Pude ver como brillaba en su descenso ¿Y si mis instrumentos no fueran pinceles?, ¿y si fueran algo vivo y palpitante? Enseguida apareció:
KLEIN
en mi mente…
“Io” acrílico sobre tela, 1,40 – 0,60 m.

A PESAR de su corta vida sus obras han sido las más destacadas en su período pictórico. Nos encontramos ante el Nuevo Realismo francés coetáneo al mundialmente famoso ART-POP. 

Sopa Campbell por A. Warhol.
Acrílico sobre tela; 0,915 – 0,61 m.
Aachen; Colección Ludwing.

Unas breves consideraciones; como es sabido el Arte de un determinado laxo de tiempo es el reflejo esa sociedad. Y esta nos va a revelar aspectos muy interesantes. El auge de este movimiento se alcanza en los años sesenta justo cuando J. F. Kennedy  es elegido como presidente, hasta 1968 cuando es asesinado Robert Kennedy. Instante en que se produjo el gran apogeo del consumismo. 

Traducción: un Arte fácil, dúctil, prospero y sin demasiadas pretensiones. Reflejo del bienestar de la nación. Existían críticas (por cierto sector del Art-Pop cercano a los Hippies) pero de manera generalizada no traspasaba las fronteras del ARTE. Mientras tanto acontece el conflicto bélico en Vietnam. Recordemos la fotografías de Martha Rosler en este punto. La toma de consciencia de la mujer ama de casa que plenamente consciente de los acontecimientos del mundo queda relegada a un segundo plano de la vida, al hogar ¡casalinga ideale!.

Al otro lado del Atlántico…

Antropología de la época azul ANT-78 por Klein; 1969.
Pigmento azul y resina sintética sobre papel; 2,18 – 1,32 m.
Londres, Galería Anthony d´Offay.
En Europa era bien distinto; lenta recuperación económica + recuerdo de las vanguardias + nutrientes del Pop norteamericano = Nuevos y actualizados manifiestos del Arte. Establecían nuevas metas y objetivos. En este ritmo frenético Pierre Restany aglutinó un selecto grupo de artistas afines: Klein, Raysse, Arman, César, Tinguely, Spoerri, Hains, Villeglé y Dufrêne. Más tarde Christo, Niki de Saint Phalle y Dechamps se unirían al selecto club. 

Todos los caminos conducen a Milán… y pasan por París.


El conjunto tenía una órbita de actuación conjunta sin embargo poseían características muy particulares. Imaginemos que cada uno de ellos era de un color distinto y todos confluyen en el NEGRO. Era necesario dejarlo por escrito, por ello en abril de 1960 reunidos en Milán firmaron “Les nouveaux réalistes” y un año más tarde harían lo mismo en París con “A 40 degrés au-dessus de Dada”.

“La pintura de caballete o cualquier otro medio de expresión clásica en el dominio de la pintura o la escultura ha llegado a su fin… ¿Qué nos proponemos en la actualidad? La apasionante aventura de lo real, percibido en sí mismo y no a través del prisma de la transcripción conceptual o imaginativa”. 
Les nouveaux réalistes.

El primero de la clase, Klein por muchos es considerado un adelantado a su época. Sus planteamientos corrían el peligro retratado en varias ocasiones; la incompresión. Sigamos con el planteamiento anterior, la personalidad de Klein es de color negro, negro intenso y compuesto por toda la gama cromática. Por esto es el más destacable de todos. 

¿Y por qué tiene tantos colores? 
Fotomontaje de Harry Shunk para el “salto al vacío” de Yves Klein.

Reproducido por el artista en “Domingo 27 de noviembre, diario de un solo día”.

Klein propone saltar, sin hilo y sin sujeción. Y en ese estado de descendimiento componer, crear, escribir, pensar y vivir. El miedo al vacío ha hecho que rellenemos la vida con utensilios, prendas, piezas, elementos y accesorios que buscan darnos sustento. No queremos ser seres estáticos, sostenidos en la nada por el riesgo que ello supone, el miedo al dolor, a precipitarnos al vacío. Entrada destacada.
Gran parte de su infancia transcurre en Niza con sus abuelos que de manera constante viajaban, estudió piano, ingresó en la Escuela de la marina mercante, practicó judo obteniendo incluso una plaza en el Instituto franco-japonés en Tokio, de la mano de Claude Pascal llegó a interesarse por el esoterismo (miembro de la secta Rosacruz vinculada a los Illuminati), practicaba la meditación y el vegetarianismo.
Y todo esto se traduce en una pintura monocrama en rosa, dorado, verde, rojo y especialmente azul. Este último sería su color sin matices. “International Klein Blue” llevan por nombre una serie de paneles monocromos azules que Restany que escribió los textos de presentación compararía con la célebre Capilla Scrovegni de Padua. No he podido evitar pensar en un hipotético encuentro entre el maestro Giotto y estas obras…

PINCELES VIVIENTES.


Realización de una Atropometría en casa de Yves Klein, por Klein hacia 1960, París.
Podemos ver los músicos al fondo y a las modelos en plena ejecución de la obra, bajo la supervisión del artista.

Como ya sabemos este movimiento elimina o suprime todos los instrumentos clásicos de creación de Arte. Excluye pinceles. Por lo tanto nos quedan las modelos, el soporte y la pintura. Los pinceles vivientes son las propias modelos embadurnadas en color que imprimen los trazos en las telas. Y lo hacían a ritmo de Jazz. Klein suprime por completo el dialogo entre la mano, el pincel y la expresión. Torsión, movimiento y expresión nunca han estado más unidos. Pero va más allá, ahora comprenderéis el motivo. Una de las preocupaciones más grandes de los pintores, galerías y Museos es la conservación de la obra terminada. Klein en cambio incluye en el proceso de creación la exposición a los elementos atmosféricos. La lluvia, el viento y los estragos del tiempo concluyen la obra. Nos queda un elemento; el fuego. Ejecutadas sobre telas de amianto y equipado con un lanzallamas Klein intereactúa con este elemento consiguiendo efectos nunca vistos antes en la Historia del Arte.  




IL CARMINIO


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